heredera de muchos aspectos a la anterior, que se conoce como arte asturiano y que se identifica con las realizaciones artísticas que fueron produciéndose durante el siglo IX en los llamados núcleos de resistencia.
Pero la actividad artística, en general y, arquitectónica, en especial, no se redujo a esa zona ni a ese siglo, si no que abarco todo el norte peninsular y tuvo continuidad durante el siglo siguiente.
El desplazamiento de la frontera cristiano-musulmana a la cuenca del Duero impulso la construcción de nuevos templos a demanda de las necesidades de repoblación.
Pues en si para el mozárabe la religión era una de sus principales necesidades.
No parece que estuvieran en condiciones de llevar a cabo grandes logros artísticos quienes apenas habían dejado algunas muestras de ello en su lugar de procedencia. Tras la publicación en 1897 de la documentada obra en 4 tomos historia de los mozárabes en España de francisco Javier simonet, el catedrático e investigador Manuel Gómez moreno publico 22 años después (1919) una monografía sobre las iglesias mozárabes, es aquí donde se atribuye el carácter mozárabe a las iglesias construidas.
La escultura etrusca estuvo dedicada casi en exclusiva a fines religiosos y funerarios.
Utilizaban la piedra, sus obras más representativas se realizaron en bronce y terracota, arcilla modelada y cocida en un horno.
Su principal aportación a la escultura romana será el realismo de sus retratos
Pintura: Influencia griega.
Relacionada con el mundo funerario.
La técnica es al fresco; los colores son planos y vivos; los fondos son lisos y sobre ellos se recortan las figuras, en las que predomina el dibujo; aparece la vegetación, aves, etc.; no existe perspectiva, se trata de una pintura bidimensional; se busca el movimiento.
La forma gótica dejó de ser el máximo lenguaje de la arquitectura tras la llegada de la arquitectura del renacimiento con la inauguración de la cúpula de Santa Maria del Fiore en Florencia, Italia 1436.
Abarcó los siglos XV y XVI.
Estuvo bastante relacionada con una visión del mundo durante ese período sostenida en dos pilares esenciales: el clasicismo y el humanismo.
Busca su inspiración en una interpretación propia del Arte clásico, considerado modelo perfecto de las bellas artes.
La característica principal de esta corriente arquitectónica eran sus cúpulas ya que su forma se caracteriza por ser: algo apuntala elevada directamente, sin tambor, reforzada por otras semicupulas alzadas sobre el abside trilobulada.
La escultura bizantina es de dos tipos: enorme o pequeña,
Las estatuas grandes son de piedra (mármol, etc.).
Las pequeñas son relieves organizados en dípticos portátiles hechos de marfil
Contrariamente a la tradición romana, cuida poco las semblanzas.
Las esculturas son frontales, hieráticas y formales.
Los ojos, grandes y mirando hacia lo alto, pretenden trasmitir inquietudes trascendentales.
La figura humana en el imperio bizantino fue fuertemente vedada debido a que parte de la iglesia de oriente se opuso a cualquier representación de escenas o personajes sagrados. Esta postura llevó al comienzo de la iconoclasia en el año 726, cuando el emperador León III ordenó la destrucción por todo el imperio no sólo de los íconos, sino de todas las representaciones religiosas donde apareciera la figura humana. Únicamente el territorio bizantino de Italia se resistió a esta norma. Los artistas bizantinos aprendieron otra vez, estudiando los antecedentes clásicos, la representación de figuras vestidas en el estilo de paños o pliegues mojados.
El estilo gótico sucede al románico, el hecho es que se produce un cambio brusco en la concepción de las formas, se observa una progresiva liberación del marco arquitectónico y un mayor naturalismo.
Los capiteles dejan de ser un espacio preferente para los relieves; las arquivoltas de los pórticos pasan de ser decoradas en sentido radial para serlo en el sentido de los arcos.
Las esculturas de bulto redondo empiezan a independizarse de las paredes y a hacerse cada vez más autónomas. Las adosadas a las columnas y parteluces se hacen más esbeltas y dinámicas.
En el Gótico la escultura será un arte muy fecundo y en constante evolución desde el punto de vista estilístico:
En el siglo XIII se pone de moda un tipo alargado, de pliegues y ornamentos muy sencillos, rostro triangular, sonrisa estereotipada y de cierto amaneramiento.
En la segunda mitad del XIV las figuras se alargan, canon esbelto, y se curvan finamente, ligera sinuosidad en el sentido flamígero comentado en la arquitectura, sus ropajes se pliegan en innumerables pliegues, es el denominado “estilo internacional”.
Los personajes de la escultura gótica, en ese creciente humanismo, abandonan las posturas verticales, simétricas y hieráticas para adoptar posturas cada vez más amaneradas y con gran sentido del movimiento realista.
También se intenta mostrar las emociones de alegría, dolor, ternura, simpatía o tristeza de los personajes.
En la escultura romana es clara la influencia helénica, particularmente en las de carácter religioso, y también la influencia etrusca, sobre todo en el realismo del retrato.
En los temas mitológicos encontramos fundamentalmente copias de obras griegas.
El retrato es la aportación romana más original a la escultura. Su origen está en una antigua práctica funeraria de culto a los antepasados, que era la de crear “imagines maiorum”.
Relieve: Ahora aparece, junto con una nueva clase social más rica, un nuevo tipo de monumentos que se decorarán con esculturas y relieves. Estos relieves presentan temas mitológicos como procesiones de divinidades y de animales llevados a sacrificar, y se percibe un simbolismo bastante acentuado, donde los animales tienen un tamaño desproporcionadamente grande en comparación con las personas, como ocurría en el helenismo.
Escultura Ecuestre: Tales estatuas frecuentemente conmemoraron líderes militares, y a los estadistas quienes desearon enfatizar simbólicamente el rol de liderazgo activo emprendido desde la fundación de Roma por la clase ecuestre, los equites o caballeros.
Había numerosos retratos ecuestres de bronce (particularmente de los emperadores) en la Roma antigua, pero no sobrevivieron porque era practica común fundir las estatuas de bronce para volver a usar la preciosa aleación para monedas u otros proyectos chicos. El único sobreviviente Romano de bronce ecuestre, Marco Aurelio, debe su preservación en el Campidoglio, Roma, a la popular identificación errónea de Marco Aurelio, el emperador-filósofo, con Constantino el Grande, el emperador cristiano
Relieve Romano: Sus principales características son la idealización en los temas religiosos y el realismo y el carácter narrativo en los de carácter histórico.
En los relieves históricos, los más característicos y significativos del relieve romano, como se indica en la introducción de este apartado, destacan su realismo y su carácter narrativo. Al contrario que en la escultura griega, donde los grandes hechos históricos se recordaban mediante temas mitológicos, en la romana los protagonistas son los hombres, los generales que ganaron las guerras que conmemoran estos relieves.
Los visigodos se hacen presentes en España a principios del siglo V, un siglo después se consolidan como un reino hispano-visigodo.
Los visigodos se asientan en la Península Ibérica, y sus manifestaciones artísticas arquitectónicas se producen hasta el siglo VII, a partir de aquí se le llama arte visigodo.
Arquitectura: Del siglo VI, solo cabe mencionar los templos “estilo de repoblación” (mal llamados mozárabes), en esta época se sigue básicamente la tradición paleocristiana en la arquitectura.
Arco de herradura: Es usado por los visigodos, se distingue en su amplitud, en su altura relativa y en su despiezo.
La España visigoda poseía un arte propio y nacional distinto del de otros países. No son muchas construcciones visigodas que subsisten, lo que se ve actualmente son, ermitas o templos rurales de segunda categoría.
Como edificios mas representativos pueden relacionarse los siguientes :
-Iglesia de San Juan Bautista
-Cripta de San Antolín
-Iglesia de San Pedro de la Nave
-Iglesia de Santa Comba
-Iglesia de San Pedro de la Mata
-Iglesia de Santa María de Melque.
-Ermita de Santa María
Adornar el edificio
Evocar los acontecimientos mas destacados
Desempeñar una labor pedagógica.
Apareció alrededor del ano 1200
Comienza un estilo mas sombrío, oscuro y emotivo.
Se tendió a aproximar la representación de los personajes religiosos en un plano mas humano que divino, dejándoles demostrar emociones y sentimientos.
Pintura dejó de ser mural para pasar a retablos situados en los altares de las iglesias, y empezó a desarrollarse la pintura en lienzo, al temple o al óleo
se distinguen cuatro fases o estilos :
Estilo gótico lineal o franco-gótico (s. XIII)
Estilo italo-gótico o trecentista (s. XIV)
Estilo internacional (s. XIV)
Estilo flamenco (s. XV)
La finalidad de su arquitectura es exaltar el poder y la imagen del estado caracterizada por:
Una gran unidad estética.
Un gran desarrollo de las ciudades y por lo tanto de la arquitectura urbana.
Un aumento en la ornamentación de los edificios (molduras, girnaldas,…)
El utilitarismo y solidez: los puentes, carreteras, arcos de triunfo, calzadas y acueductos aun podrían utilizarse pese al tiempo transcurrido (y de hecho algunos se siguen utilizando).
La utilización de nuevas técnicas y nuevos materiales: frente al carácter
adintelado , empleó nuevas técnicas con elementos ya conocidos, como el arco, la bóveda y la cúpula que conviven con las formas adinteladas.
adintelado , empleó nuevas técnicas con elementos ya conocidos, como el arco, la bóveda y la cúpula que conviven con las formas adinteladas.
También utilizaron un el orden toscano (etrusco) que está inspirado en el dórico y en el la columna tiene basa y un fuste liso. Y el uso del orden corintio.
En esta arquitectura se potencia la perspectiva, en Roma cuenta la simetría.
También la verticalidad constituye una novedad.
Los materiales fueron: la piedra, el hormigón y el ladrillo. Unas veces se servían de piedras irregulares, sujetas con mortero (opus incertum o mampostería). También les daban forma de pirámide de base cuadrada, con lo cual, al embutirlas en la pared, se formaba una especie de retícula (opus reticulatum).Pero es el aparejo de sillares (opus cuadratum) el más importante. El hormigón (opus caementicium) o cemento, se fabricaba con una mezcla de agua, arena, cal y guijarros, determinando al secarse una masa sólida, indestructible. Empleadas para las bóvedas. El ladrillo (opus lateritium) constaba de grandes piezas rectangulares y de poco grosor. Por último El opus mixtum, consistía en disponer capas alternadas de ladrillos y piedra.
La arquitectura romana
es esencialmente civil y militar; se enfocaban en lo funcional.
Fue’ habitada desde el año 3000 a.C.
Aun se discute la prosedencia de este pueblo.
Se dice que porvablemente los sumerios venían de la altiplanicie iraní, quienes conservaron en un principio los motivos decorativos propios de su región de orígen, pero al estar tan aislados los primitivos repertorios ornamentales derivaron hacia formas más fluídas y decuidadas.
A este florecimiento de las artes se le ha llamado también "Renacimiento otoniano“.
El arte otoniano funde tres tradiciones: las de la antigüedad tardía especialmente en el arte del norte de Italia, el período carolingio, y bizancio
Este renacimiento de las artes y la arquitectura se produce bajo el patronazgo cortesano de Otón I de Alemania (936–973).
El "renacimiento otoniano" se manifiesta especialmente en las artes y la arquitectura, revitalizadas por el contacto renovado con Constantinopla, en la reviviscencia de algunas escuelas catedralicias, como la de Bruno I, arzobispo de Colonia, y en la producción de manuscritos iluminados, la principal forma artística de la época, de un puñado de scriptoria de élite, como Quedlinburg, fundado por Otón en 936 y en la ideología política.
Las abadías imperiales y la corte imperial se convirtieron en centros de vida religiosa y espiritual, guiados por el ejemplo de mujeres de la familia real.
El arte otoniano fue un arte cortesano, creado para confirmar la existencia de un vínculo entre los emperadores y los gobernantes cristianos de la antigüedad tardía, como Constantino, Teodorico y Justiniano, así como con sus predecesores carolingios, en particular Carlomagno
La pintura otoniana se considera como un renacimiento, en las que existen los paisajes, los motivos arquitectónicos y los retratos de emperadores.
Tres fuentes;tradicion caroligia, imágenes imperiales, composicion monumental, tratamiento de la concepcion espacial y elementos simbolicos del poder imperial; influenzia bizantina, ya sea como supervivencia directa o influjo directo; estilo francosajon, sentido narrativo, y formas abstractas fantasticas, meramente ornamentales.
Su arquitectura abarca desde mediados del siglo X hasta mediados del siglo XI. Viene precedida por la arquitectura carolingia y seguida por el románico, por lo que presenta cierta continuidad con el arte carolingio y anticipa soluciones posteriores.
Entre las innovaciones de esta arquitectura se encuentra la elaboración y uso más amplio de galerías o tribunas, así como la alternancia en los soportes (pilares y columnas) según dos modelos: en el renano se alternan pilares y columnas, y en el sajón aparecen dos columnas entre los pilares.
El primer ejemplo de la arquitectura otoniana es la iglesia abacial de San Ciriaco de Genrode (959-63), aparentemente la primera en Europa que tuvo una tribuna sobre las naves laterales
Formada en Constantinopla, fijó su carácter desde los comienzos del siglo VI y se sirvió casi exclusivamente del procedimiento al mosaico en muros y cuadritos y de miniaturas sobre pergamino.
La técnica bizantina se caracterizó principalmente por la regularidad en el dibujo, buena composición y excelente manejo del color. Se afirma que este estilo se estancó y llegó a caer en la monotonía.
Las figuras de los personajes se presentan ordinariamente alargadas, en pie y con los brazos en actitud algo movida o llevando algún objeto. La túnica o vestimenta con que aparecen cubiertas suele ofrecer pliegues rectos y paralelos, casi verticales. Pero el manto o capa los presenta más movidos y se recoge sobre el brazo izquierdo de la figura. El continente de las personas se ostenta siempre majestuoso, tranquilo y honesto; su mirada, de frente o a la derecha del espectador; sus ojos, grandes y abiertos; sus pies, pequeños o estrechos y terminados en punta.
Los elementos decorativos de los cuadros o composiciones consisten de ordinario en perlas, cintas, series de joyas, guirnaldas y grecas
El mosaico bizantino ejerció poderosa influencia en la pintura de Occidente hasta llegar al siglo XIII además de ser decisivo su influjo en el Oriente cristiano y de extenderse a Rusia desde el siglo XI
El estilo gótico nació como tal, en el norte de Francia, a mediados del siglo XII, se da la fecha del 14 de julio de 1140, en que se inició la obra del coro de la Basílica de Saint-Denis, como la fecha de nacimiento de este estilo, sin embargo debe hablarse de su nacimiento como una evolución técnica de las formas de las escuelas románicas regionales, y así ya a finales del siglo XI se había comenzado a construir en Inglaterra la catedral de Durham, con bóveda de crucería y estructura gótica.
PLANTA.
La planta de las grandes iglesias góticas responde a dos tipos principales:
De tradición románica. Tienen casi las mismas formas que en el estilo románico y más comúnmente la de cruz latina, con girola o sin ella pero con los brazos poco salientes y con los ábsides o capillas absidiales frecuentemente poligonales.
De salón. La planta carece de crucero de brazos salientes , el templo de salón presenta una disposición basilical y posee, como mínimo, tres naves de igual altura y, por consiguiente, un sistema de iluminación lateral.
ARCO OJIVAL.
El arco ojival es uno de los elementos técnicos más característicos de la arquitectura gótica, y vino a suceder al arco de medio punto, propio del estilo románico. A diferencia del arco de medio punto, es más esbelto y ligero por transmitir menores tensiones laterales, permitiendo adoptar formas más flexibles, resulta más eficaz, pues gracias a su verticalidad las presiones laterales son menores que en el arco de medio punto, permitiendo salvar mayores espacios.
CONTRAFUERTES Y ARBOTANTES
Está plena de religiosidad.
Cada artista busca su propio estilo, en donde el retrato y la representación del paisaje tienen mucha importancia. Durante el renacimiento surgen diversas escuelas, estas adquieren el nombre de la ciudad donde se desarrollan
Renacimiento Temprano: que abarca desde el año 1420 hasta el año 1500 y cuyos representantes más significativos son Fran Angélico de Fiesole, Masaccio, Piero della Francesca y Sandro Botticelli, entre muchos otros, con pinturas verdaderamente grandiosas.
Alto Renacimiento: que comprende el período que va desde el año 1500 hasta el año de 1527, en el cual se destacaron famosos pintores: Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, Tiziano, Pablo Veronés, Tintoreto, Rafael Sanzio, Juan Van Eyck, Alberto Durero, Jean Cousin y el Greco.
El punto de vista del pintor suele estar en el centro del cuadro. La composición está sometida a esquemas intelectuales, es decir, razonados. Suele preferirse la forma simétrica en la distribución de las figuras.
En general, es una pintura dibujística, que se fundamenta en el poder definidor y expresivo de la línea, y considera el color como un accidente de la materia de importancia secundaria. Las formas se cierran con un dibujo de trazo continuo y su separación del fondo es absoluta.
Se da interés preferente al cuerpo humano,
en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia
y copia cuidadosamente.
La medida, la proporción y la armonía, junto con la funcionalidad, son los sellos que definen esta arquitectura.
la piedra con sillares bien labrados y, en menor medida, el ladrillo, y como decoración el mármol fueron los materiales predilectos de los griegos
Sus edificios tenían proporciones humanas. Sólo en la época helenística aparece el gigantismo. Esta preocupación les lleva a construir los edificios con pequeñas diferencias de longitud y grosor, para lograr un aspecto más armónico del edificio visto desde lejos.
Orden Dorico
El orden dórico se caracteriza por tener una columna sin basa. El fuste es estriado, con aristas vivas, y el capitel liso. El arquitrabe también es liso, y está Dividido en triglifos y metopas. Es el orden más pequeño de todos
Orden Jonico
El estilo jónico se empleaba en interiores o en exteriores de templos dedicados a divinidades femeninas. Era más relajado y decorativo que el dórico.El rasgo más representativo de este estilo es el capitel con dos volutas o espirales encuadrando el equino. Del entablamento destaca el hecho de que el arquitrabe, que se muestra usualmente descompuesto en tres fajas horizontales, llamadas platabandas. El friso sea una banda continua, sin metopas ni triglifos. Las columnas son más esbeltas y ocasionalmente son sustituidas por estatuas de muchachas llamadas cariátides, como ocurre en el Erecteion.
Orden Corintio
Su fuste; se presenta en forma circular y está acanalado por 24 estrías que son divididas a través de filetes longitudinales. Su capitel; que es muy parecido a una cesta, en donde se pueden apreciar muchas hojas de acanto que poseen en sus tallos una especie de volutas. La columna; que se compone a través de tres molduras: una escocia intercalada ornamentada
con listeles y dos medios toros o boceles circulares. El entablamento; que está conformado por el
friso, el arquitrabe y la cornisa.
Arquitectura Romanica
Recibe el nombre de “románica” por coincidir su florecimiento con la aparición de las lenguas romance. Otras fuentes afirman que el arqueólogo Charles de Gerville dio este nombre por alusión a la arquitectura romana, en la cual se suponía se había inspirado.
La época en la cual se desarrolla dicho estilo es en los siglos XI y XIII.
Elementos arquitectónicos: CONTRAFUERTES: Tienen por objeto reforzar los muros y repartir las fuerzas de los arcos y bóvedas.
PILARES: Se coloca sobre un zócalo cilíndrico o de poca altura, cuentan con basa de forma toscana o ática y capitel que llama la atención por lo variado de sus formas y por los detalles.
ARCOS: Por lo general de medio punto o peraltados, casi siempre dobles o triples.
El origen de la escultura renacentista se remonta al siglo XIII.
Es en los siglos XIV y XV, donde se comienza la época de mayor furor de la escultura renacentista. En esta época se advierte:
1. Vehemencia por la naturaleza y el desnudo idealizado o natural.
2. Expresión de los sentidos y pasiones humanas.
3. Reinterpretación modernizada de los cánones clásicos.
4. Temáticas diversas: mitología, religión, historia, leyendas, etc.
1. Vehemencia por la naturaleza y el desnudo idealizado o natural.
2. Expresión de los sentidos y pasiones humanas.
3. Reinterpretación modernizada de los cánones clásicos.
4. Temáticas diversas: mitología, religión, historia, leyendas, etc.
Caracteristicas:
El cuerpo humano representó la belleza absoluta, cuya correspondencia matemática entre las partes se encontraba bien definida, y el contrapposto fue utilizado constantemente desde Donatello a Miguel Ángel.
Composicion: Bulto Redondo. La escultura fue evolucionando en su concepción y en las composiciones de sus grupos, hasta llegar a la serpentinata propia del manierismo, que se muestra claramente en obras como el Rapto de las sabinas (Giambologna).
Se manifiesta principalmente en la decoración de muros interiores de iglesias, en pinturas de frontales de altar, en miniaturas o iluminaciones de códices, alguna vez en mosaicos de pavimentos, esmaltes para decoraciones del mobiliario y en algunas vidrieras de colores
Se caracteriza la pintura románica por el escaso estudio de la naturaleza.
Por la simétrica plegadura de los paños.
Por las violentas actitudes que se dan a los personajes.
Por sus contornos demasiado firmes o acentuados.
Por la falta de perspectiva que ofrece la composición en conjunto.
Los procedimientos: El temple y el fresco para cuadros y decoraciones murales, el temple y la aguada en la pintura sobre tabla y la aguada o acuarela para las iluminaciones de códices.
Se distingue por el uso frecuente de fondos purpúreos y de aplicaciones de oro y plata en los dibujos y por la adopción de magníficos motivos arquitectónicos para decorar también los libros o códices, se mantienen las pinturas de tema profanos y sacros pero ademas comienzan a aparecer personas a las cuales se les dedicaba la pintura.
Escuela palatina. Creada en la corte, ejemplificada en el Evangeliario de la Coronación (Viena), que según la tradición fue hallado por Otón III del Sacro Imperio Romano Germánico|Otón III a los pies del cadáver de Carlomagno, cuando se abrió su sepulcro; y Evangeliario de San Medardo de Soissons (Biblioteca nacional de Francia).
El evangeliario es el libro que recoge los textos de las lecturas evangélicas relativas a cada uno de los días del año dispuestas según el orden litúrgico
A lo largo de la historia, los evangeliarios han sido valiosos objetos artísticos. En concreto, en ellos ha tenido especial manifestación el arte de la miniatura desarrollada principalemente en el periodo carolingio y románico.
Carlomagno creó cuatro grandes escuelas en las que se crearon verdaderas obras de arte en miniaturas sobre los libros litúrgicos
Se llama carolingia a la época iniciada por el rey Carlomagno, que fue investido con la dignidad de Emperador de los romanos por el Papa León XIII en el año 800.
La arquitectura carolingia no constituye un estilo determinado sino un renacimiento o restauración de la arquitectura, al igual que otras artes, debida al empeño de Carlomagno por el fomento de la cultura cristiana.
El emperador fijó su residencia en Aquisgrán (hoy, Alemania) proponiéndose convertirla en la cuarta Roma
Reunió a este fin arquitectos y sabios de todas clases, Llamó a artistas de Rávena, de donde sacó también columnas y mármoles que, junto con despojos de otras construcciones del imperio, utilizó para sus obras
Carlomagno “el restarurador de la arquitectura romana
Las principales entre ellas, que fueron su palacio y la basílica dedicada a la Virgen María, así lo acreditan de acuerdo con la Historia.
La basilica de la virgen maria
La referida iglesia aunque añadida con otras construcciones y despojada de algunas preciosidades. En su planta octogonal interior, que al exterior se convierte en poligonal de dieciséis lados, y en su cúpula ochavada se advierte una copia de San Vital de Rávena, si bien los capiteles de sus columnas ostentan el tipo romano.
Palacio carolingio
El Palacio de Aquisgrán era todo un conjunto de edificaciones de tipo residencial, político y religioso, que fue erigido por el emperador Carlomagno como centro del poder carolingio. El palacio en cuestión se hallaba ubicado en la actual ciudad de Aquisgrán, en el oeste de Alemania.
Quien diseñó los planos del Palacio fue Eudes de Metz, inscribiendo la obra dentro del programa de renovación política del reino, anhelada y estimulada por el propio emperador Carlomagno.
La mayor parte del Palacio quedó destruido a lo largo de los siglos, pero todavía subsiste la capilla palatina, que está considerada como uno de los tesoros de la arquitectura carolingia, así como un característico ejemplo de la arquitectura típica del llamado Renacimiento carolingio
Iglesia de San Miguel de Fulda
Se denomina arquitectura bizantina al estilo arquitectónico que estuvo vigente durante el Imperio bizantino (Imperio romano de Oriente) desde la caída del Imperio romano de Occidente en el siglo V
La capital del Imperio de Oriente era Constantinopla (Constantinopolis o ciudad de Constantino), cuyo nombre anterior fue Bizancio y, actualmente, Estambul, y ello desde el año 330, momento que otros autores fijan como el inicio de la arquitectura bizantina
las zonas de mayor presencia de la arquitectura bizantina se corresponden con los territorios de las actuales Turquía y Grecia, sin olvidar Bulgaria, Rumania y amplias partes de Italia, junto con Siria y Palestina.
Ademas a partir del siglo VIII se extendió por las actuales Ucrania, Rusia y Bielorrusia, pasando algunos de sus elementos arquitectónicos (como por ejemplo las cúpulas abulbadas) a convertirse en una seña de identidad de las iglesias ortodoxas, que han sido mantenidas hasta la actualidad.
La arquitectura bizantina recibió, sobre una base formada esencialmente por la arquitectura romana, fuertes influencias de otros estilos arquitectónicos, especialmente de estilos procedentes de la zona de Oriente Medio
En la pintura romana influyo decisivamente el arte griego, ya que ya desde la época de César llegaron pinturas griegas que arrancaban de las paredes y se llevaban a Roma.
Al igual que otras artes, la pintura en Roma tenían una finalidad práctica: decorar las casas y palacios.
La pintura mural se realizaba con la técnica del fresco, aunque también se discute que en algunas ocasiones se utilizaran técnicas mixtas. Para la pintura sobre tabla se utilizaban las técnicas al temple y a la encáustica. La gama de colores era amplia, ya que a la del mundo griego y egipcio se les suman algunos colores más. Destacan el negro, el blanco, el rojo y el amarillo, aunque a veces también se utilizaron verdes, azules y violetas. La pintura romana se clasifica en cuatro estilos a partir del siglo XIX y fueron establecido en base a las pinturas conservadas en Pompeya.
La pintura romana se clasifica en cuatro estilos a partir del siglo XIX y fueron establecido en base a las pinturas conservadas en Pompeya
Pompeya
Las pinturas de Pompeya son las mejor conservadas ya que en el año 79 d.C. una erupción del Vesubio cubrió toda la ciudad, permitiendo que se conservaran las pinturas (entre otras muchas cosas) como no se han conservado en ninguna otra ciudad. Todas las pinturas de Pompeya se encontraban en Domus.
Estilo Arquitectónico
Se desarrolla durante el s.I a.C, en la época de César. Es llamado estilo arquitectónico porque imita no sólo revestimientos sino también arquitecturas. También es llamado "Estilo de perspectiva arquitectónica" porque busca profundidad y perspectiva. Esto hace que las estancias parezcan más grandes. Se dan frecuentemente las ventanas, tras las que se puede ver edificios, y resulta más teatral, además, aparece el paisaje.
En definitiva se trata de una pintura romana que tiende a la disolución del muro. Es un estilo ya de plena creación romana.
Estilos de Incrustación
Este estilo de pintura romana se desarrolla desde mediados del s.II a.C. hasta principios del s.I a.C., todavía en época republicana.
Es así llamado porque imita la decoración de mármoles que se aplicaban en época helenística. Es un estilo muy colorista, de aspecto muy suntuoso. El muro suele estar dividido en tres: un zócalo pintado imitando granito, una zona media imitando mármol y un remate a modo de cornisa realizada en estuco.
Estilo mixto u ornamental
Se dio entre el 27 a.C. hasta la mitad del s.I d.C, es decir, durante la época de Augusto y sus sucesores. Es un estilo mixto porque en cierta manera es una mezcla de los dos anteriores. Es un estilo menos real y más fantástico.
Se caracteriza por la representación de elementos ornamentales muy ligeros, apareciendo también edificios fantásticos, frisos con niños, elementos vegetales muy estilizados, figuritas de animales, de humanos también pero más pequeñas y delicadas, y pequeñas escenas mitológicas. Los colores son muy intensos.
Se dio más en Roma que en Pompeya y destacan las de la Domus Aúrea de Nerón.
Estilo ilusionista o escenográfico
Es el estilo más confuso. En él aparecen también escenas mitológicas, históricas, tiene un gran recargamiento decorativo, aparecen cortinajes y telones y cobra mucho desarrollo el paisaje. También aparece en la Domus Aúrea de Nerón y en la casa de los Vetii en Pompeya.
También hay frescos llamados por Vitrubio "Megalográficos", que se dan en el s.I a.C. y parte del I d.C. Representan personajes de tamaño natural que componen escenas. Pueden aparecer aquitecturas para dar un mayor realismo. No hay muchos, pero sí de una gran calidad. Destaca "La villa de los misterios", en Pompeya, de época de Augusto.
Retrato
El retrato se da desde el s.I a.C. pero es en el s.II cuando proliferan. Destacan los del Fayum, unos retratos funerarios en tela o en madera que están realizados con la técnica de la encáustica.
Mosaico
Los romanos construían los mosaicos con pequeñas piezas llamadas teselas, de ahí que se refiriesen a ellos también como opus tessellatum. Las teselas son piezas de forma cúbica, hechas de rocas calcáreas o material de vidrio o cerámica, muy cuidadas y elaboradas y de distintos tamaños. El artista las disponía sobre la superficie, como un puzzle, distribuyendo el color y la forma y aglomerándolas con una masa de cemento. Los mosaicos eran para los romanos un elemento decorativo para los espacios arquitectónicos
En la arquitectura cretense hay una serie de características que se van a dar en toda construcción:
Los muros estaban realizados con mampostería y piedra, como refuerzo, que se va a enlucir, permitiendo la realización de pinturas en el interior.
El suelo podía ser de dos maneras: a base de tierra batida o con losas de piedra.
Los soportes fundamentales son el pilar y, sobre todo, la columna, que será muy característica: normalmente de madera policromada, aunque también podía ser de otros materiales, pero no piedra. El fuste era o liso o estriado, pero en todo caso la parte inferior era menos ancha que la superior. Podía tener basa o no. El capitel estaba formado por dos partes: una montura convexa y grande y un dado aplastado, por lo que se le considera antecedente del capitel dórico, aunque mucho más vasto.
La techumbre adintelada estaba formada por vigas de madera decoradas de manera que formarán frisos. Esto también será imitado por los griegos.
Se han conservado ciudades, algunas se han podido excavar, pero lo interesante de ellas es su carácter abierto, sin murallas ni torreones. Una de las más importantes es Gurnia, en Creta, o Akrotiri que se encuentra muy bien conservada, con edificios levantados con pinturas. Las casas no eran demasiado complicadas, generalmente de dos pisos. En las más ricas se han encontrado pinturas. Se han hallado maquetas de casas en santuarios como ofrendas que nos permiten saber cómo eran. Las más importantes fueron las villas campestres que se han encontrado, pues pertenecían a los más poderosos.
Otro tipo de enterramiento es la tumba de edificio, que recuerda a una casa. Tiene forma rectangular y varias habitaciones, en una de ellas es donde se realizarían los distintos ritos. En todos estos tipos de enterramiento se ha encontrado un ajuar y sarcófagos. Estos pueden ser en forma de bañera o rectangulares que descansen en cuatro patas con una tapadera. Están hechos de terracota policromada
Cnosos
Fue estudiado por Evans. En Cnosos es donde se supone que vivió el rey Minos y su estructura laberíntica se ha querido relacionar con la leyenda del Minotauro. Hay partes que han sido reconstruidas, según algunos estudiosos con demasiada imaginación. Se habían conservado habitaciones enteras con pinturas que fueron arrancadas llevadas a museos, dejando en el palacio reproducciones. Tiene una planta laberíntica, sin separación entre una zona y otra
Pintura Cretense
Las características principales de la pintura cretense son:
Es la manifestación más clara, junto con la escultura, de la delicadeza y la gran estilización y belleza de este arte.
De desarrolla sobre todo en el minoico reciente, aunque también se conocen ejemplos del minoico medio. El momento de mayor esplendor se encuentra entre el 1550 y el 1450 a.C.
Sus precedentes están en Egipto, especialmente en la pintura del imperio nuevo y en Mesopotamia, especialmente en el palacio de Mari. Es semejante en técnica y en ejecución a estas pinturas, pero es diferente en los temas y en la ausencia de tantos convencionalismos, rigidez y no encontramos una jerarquización tan marcada.
Es pintura al fresco, aplicada cuando el muro ya está estucado. Se realiza con colores minerales disueltos en agua. También hay algo de relieve. Sólo hay un ejemplo en donde se hace una labor similar a la marquetería, con incrustaciones, que es el ejemplo del mono azul.
En Cnosos destacan las siguientes pinturas:
El príncipe de los lises
Se encuentra en el palacio de Cnosos. No se sabe quién es, pero se cree que pudiera ser el rey Minos.
El pescador
Aparece un joven con sartas de pescados. La piel oscura del chico destaca con el fondo liso claro. El joven está totalmente desnudo excepto por una gargantilla.
Aparece un joven con sartas de pescados. La piel oscura del chico destaca con el fondo liso claro. El joven está totalmente desnudo excepto por una gargantilla.
El Sarcófago de Hagia Triada
Sarcófago rectangular con cuatro patas y una tapa. Está realizado en caliza policromada. Sin embargo, se utilizan las mismas técnicas y tiene las mismas características que la pintura mural.
Sarcófago rectangular con cuatro patas y una tapa. Está realizado en caliza policromada. Sin embargo, se utilizan las mismas técnicas y tiene las mismas características que la pintura mural.
Escultura Cretense
La escultura cretense tiene menos importancia que la pintura. No se trata de escultura monumental, sino de pequeñas estatuillas exentas. Están realizadas en materiales ricos: de oro y marfil (criselefantinas) o de otros materiales como loza, porcelana vidriada y coloreada muy fina y de terracota, más simples.
Micenas:
2000-1600 a.C.- mayor esplendor s. XIV a.C Peloponeso- en un lugar de paso situada sobre un montículo: muralla era ciclópea- no necesaria por todos los lugares
La Puerta de los Leones Gran entrada a la ciudad
El Tesoro de Atreo
Tesoro de Atreo |
Se pensó que tenía un tesoro, tumbas de falsa cúpula. Corredor de unos 36 m. de largo y 6 de ancho gran dintel con un triángulo de descarga, Hasta el s. XIX todavía quedaban algunos restos
Tirinto
Se encontraba en el Peloponeso. Sentido alargado y está totalmente amurallada. Estructurada en tres terrazas muralla doble, cerrada por arriba con una falsa bóveda y por un lado está cerrada
Pilos
Más rectangular, muralla y en el interior se ha encontrado un palacio con restos de haber soportado columnas estriadas, pintura presenta escenas de caza y guerreras. Las figuras no tienen talle de avispa ni son tan estilizadas
Cerámica Micénica
Distinta a la cretense y peor conservada, vasijas de distintos formato. Las figuras están delimitadas por una línea negra.
Orfebrería Micénica
la máscara de Agamenón,representar unos rasgos específicos de un personaje real una textura lisa aunque ha sufrido daños y golpes.
Con anterioridad a la formación del arte griego hubo en territorios de la antigua Grecia un arte que se ha llamado prehelénico, conservadas tan sólo en ruinas de edificios de la época y sobre estuco, representando paisajes, acciones guerreras y ceremonias cortesanas o religiosas cuyas figuras aunque imperfectas revelan notable expresión y vida. En las decoraciones de vasijas se presenta raras veces la figura humana y siempre estilizada y de escasos detalles.
En cuanto a la pintura griega, su celebridad y la de sus artistas se debe casi por entero a los antiguos historiadores pues no se conserva de ella ni un solo cuadro ni se conoce obra alguna de los famosos considerados desde la antigüedad los pintores por antonomasia
Las obras pictóricas griegas que al presente se conocen y conservan consisten únicamente en decoraciones de ánforas y de otras elegantes vasijas salvo algunos mosaicos de pavimento y placas de arcilla pintadas y sin contar las obras de pintura romana en que intervino mano griega
Consta, no obstante, que los griegos pintaron cuadros excelentes, por lo menos murales (cuyas copias pueden ser algunas decoraciones de las grandes ánforas de lujo) y que emplearon los procedimientos al fresco, al encausto, al temple y quizás al óleo.
Los asuntos representados en tales pinturas fueron escenas de la vida humana y tradiciones o leyendas mitológicas y heroicas.
La pintura griega se divide en tres periodos (después del cretense y micénico ya nombrados que pueden considerarse como protohistóricos respecto de Grecia)a saber:
El de formación y arcaico que dura hasta el siglo V a. C.,
El de elegancia nacional, durante el siglo V a. C. y parte del IV a. C.
El alejandrino o de difusión desde mediados del siglo IV a. C. hasta dos siglos más tarde en que fue Grecia conquistada por los romanos.
Mozarabo referido a una persona o individuo seria el cristiano hispánico que vivió en territorio musulmán en el periodo que abarca desde la invasión árabe (711) hasta finales del siglo XI.
Conservando su religión y una cierta autonomía eclesiástica y judicial. Inicialmente puede decirse que lo fueron todos los habitantes de la península ibérica, pues todos ellos quedaron sometidos al poder musulmán y todos, con excepción de las aljamas judías, la religión cristiana.
Las comunidades de mozárabes mantuvieron para la practica de sus ritos religiosos algunos de sus templos visigodos anteriores a la ocupación musulmana y raramente construyeron otros nuevos, pues, si bien existía una determinada tolerancia religiosa, estaban muy limitadas las autorizaciones para erección de nuevas iglesias.
Concluida la primera fase del proceso artístico que se engloba generalmente en el amplio concepto de prerrománico y que se corresponde con el arte hispano –visigodo, se inicia en España otra corriente estilística, heredera de muchos aspectos a la anterior, que se conoce como arte asturiano y que se identifica con las realizaciones artísticas que fueron produciéndose durante el siglo IX en los llamados núcleos de resistencia.
Pero la actividad artística, en general y, arquitectónica, en especial, no se redujo a esa zona ni a ese siglo, si no que abarco todo el norte peninsular y tuvo continuidad durante el siglo siguiente.
El desplazamiento de la frontera cristiano-musulmana a la cuenca del Duero impulso la construcción de nuevos templos a demanda de las necesidades de repoblación.
Pues en si para el mozárabe la religión era una de sus principales necesidades.
No parece que estuvieran en condiciones de llevar a cabo grandes logros artísticos quienes apenas habían dejado algunas muestras de ello en su lugar de procedencia. Tras la publicación en 1897 de la documentada obra en 4 tomos historia de los mozárabes en España de francisco Javier simonet, el catedrático e investigador Manuel Gómez moreno publico 22 años después (1919) una monografía sobre las iglesias mozárabes, es aquí donde se atribuye el carácter mozárabe a las iglesias construidas.
La escultura etrusca estuvo dedicada casi en exclusiva a fines religiosos y funerarios.
Utilizaban la piedra, sus obras más representativas se realizaron en bronce y terracota, arcilla modelada y cocida en un horno.
Su principal aportación a la escultura romana será el realismo de sus retratos
Pintura: Influencia griega.
Relacionada con el mundo funerario.
La técnica es al fresco; los colores son planos y vivos; los fondos son lisos y sobre ellos se recortan las figuras, en las que predomina el dibujo; aparece la vegetación, aves, etc.; no existe perspectiva, se trata de una pintura bidimensional; se busca el movimiento.
La forma gótica dejó de ser el máximo lenguaje de la arquitectura tras la llegada de la arquitectura del renacimiento con la inauguración de la cúpula de Santa Maria del Fiore en Florencia, Italia 1436.
Abarcó los siglos XV y XVI.
Estuvo bastante relacionada con una visión del mundo durante ese período sostenida en dos pilares esenciales: el clasicismo y el humanismo.
Busca su inspiración en una interpretación propia del Arte clásico, considerado modelo perfecto de las bellas artes.
La característica principal de esta corriente arquitectónica eran sus cúpulas ya que su forma se caracteriza por ser: algo apuntala elevada directamente, sin tambor, reforzada por otras semicupulas alzadas sobre el abside trilobulada.
